Deux photographes qui se transforment complètement et explorent l'identité
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Nous vous présentons aujourd'hui deux femmes photographes qui ont un sujet en commun : l'identité. Bien qu'elles aient été inconfortablement comparées, chacune a son propre style qui la rend unique et une façon complètement différente d'aborder le sujet.
Cindy Sherman
Cynthia "Cindy" Morris Sherman est née le 19 janvier 1954 à Glen Ridge (New Jersey, États-Unis).
Elle est la fille d'un ingénieur et d'une enseignante. Benjamine d'une famille de cinq enfants, elle était une enfant qui aimait toujours se déguiser. Dès 1966, alors qu'elle avait douze ans, elle et son amie Janet Zink ont joué le rôle d'une vieille femme.
“Lorsque j'ai commencé, au milieu des années 1970, je ne faisais que m'amuser... Je n'avais aucune idée que je deviendrais un artiste. Je n'ai jamais pensé que je ferais ça pendant 35 ans."
Sherman a étudié l'art au State University College de Buffalo (New York). C'est là qu'elle a fait ses premiers pas artistiques dans la peinture, mais elle l'a abandonnée pour adopter la photographie comme médium de prédilection. Et bien que Sherman ait choisi la photographie comme principal support pour faire connaître son travail, il est vrai que la construction de son œuvre utilise bien plus que des photographies, ce qui fait d'elle une véritable artiste.
Depuis le début, elle travaille en séries. On peut notamment nommer les deux travaux réalisées en 1975 que sont Bus Riders et Murder Mystery People, où l'auteur se personnifie comme les protagonistes supposés d'un crime ou comme les usagers des transports publics de Buffalo, New York.
Le corpus de l'œuvre de Cindy Sherman a produit de nombreuses séries photographiques au cours d'une carrière de plus de 35 ans. Elle a exploré les stéréotypes et la culture américaine d'un point de vue féminin. Parmi ses séries les plus remarquables figurent les Portraits de société, les Images de sexe, les Catastrophes et contes de fées et les Portraits d'histoire. Mais son œuvre phare se trouve dans le classique Untitled Film Stills et son corollaire Rear Screen Projections.
Le corps et la scène
Les explorations artistiques des années 1960, telles que l'art corporel et l'art de la performance, font partie des influences de Sherman : dans chaque photographie se déroule une histoire dans laquelle l'artiste elle-même se caractérise par son maquillage et sa tenue. Sherman utilise son propre corps comme une scène authentique.
"Le corps, par exemple, la matière première de l'art de la performance, n'est pas un espace neutre ou transparent ; le corps humain est vécu de manière intensément personnelle (mon corps), produit et coparticipant des forces sociales qui le rendent visible (ou invisible) à travers les notions de genre, de sexualité, de race, de classe et d'appartenance (en termes de citoyenneté, par exemple, ou de statut marital ou d'immigration), entre autres." Diana Taylor
Pourtant, Sherman a répété à de nombreuses reprises que ses photographies ne sont pas des autoportraits. Ce sont des tableaux, des scènes dans lesquelles la photographe apparaît, mais où elle personnifie non seulement une autre personne, mais aussi un stéréotype spécifique. Dans ce sens, la photographe est placée comme un moyen de parvenir à une fin, une actrice dans une scène montée exclusivement pour la caméra.
Il est important d'identifier dans ces photographies les personnages d'un récit.
La stratégie de Sherman est efficace : elle fait référence au ton et à l'atmosphère, ses scènes sont de simples suggestions, et ses personnages peuvent être et ne pas être un en particulier et en représenter plusieurs à la fois : tout est dans l'esprit du spectateur.
On pourrait penser que le costume et le maquillage constituent l'apparence nécessaire pour tromper le spectateur, mais c'est en réalité l'interprétation de Sherman qui donne à ses personnages "une aura et une présence particulières". Selon Cynthia Freeland, les trois caractéristiques essentielles d'un portrait sont un visage reconnaissable, la pose et la "vie intérieure" (une sorte de tempérament ou d'état mental et psychologique). Les portraits de Sherman tout au long de sa carrière comprendront sans aucun doute ces trois aspects, et c'est sa performance qui fournira la vie intérieure dont elle parle.
Bien entendu, il s'agit d'œuvres d'art autosuffisantes et non référentielles, c'est-à-dire que la photographie n'a pas été utilisée pour préserver ou documenter la performance, mais a été réalisée spécifiquement pour l'appareil photo.
Identité et stéréotypes
Dans son discours, Sherman crée des récits où elle joue avec des stratégies sardoniques en décrivant les paradoxes sociaux du public et du privé et les contradictions esthétiques du beau/grotesque, remettant en question l'essence du médium photographique, traditionnellement supposé être un véhicule pour capturer des apparences qui ne peuvent aller plus loin. Malgré 170 ans d'histoire, la photographie peine toujours à échapper à l'enfermement du registre/documentaire du monde observable. Sherman mène une enquête beaucoup plus profonde qui fait certes appel aux apparences, mais qui transcende la sphère visuelle.
Dans sa prodigieuse production de près de 500 images, l'artiste capte l'histoire de la féminité sans succomber aux idéologies. Ou du moins, c'est ce qu'il semble. Les femmes apprennent le type de comportement dont Sherman se moque, ce n'est pas comme si elles étaient génétiquement programmées pour plaire. Sherman ne se contente pas de se déguiser, elle interprète et incarne le comportement de son sexe. C'est un théâtre qui devient si authentique que le réalisme politique émerge au sein de la photographie. Ce n'est pas l'évidence de l'art de Sherman, mais son contenu plus profond. En fait, c'est quelque chose que le spectateur doit intuitionner, car le contexte n'est jamais clair. La colère dont sont imprégnées les photographies de Sherman est beaucoup plus accessible, mais son effet est distant.
L'artiste concentre sa caméra sur l'identité de soi et ses altérations, projections et identifications et l'étend aux femmes avec les stéréotypes féminins. La sphère de Cindy Sherman est un temps mais aussi un lieu et sa lecture nous invite à une observation critique. Sherman pointe son œil et son doigt vers l'imaginaire et l'iconicité fournis par la culture américaine au cours des 35 dernières années.
Nikki S. Lee
Lee Seung-hee (Nikki S. Lee) est née en Corée (1970). Son père tenait un salon de mariage. Enfant, Nikki voulait faire des études d'actrice, mais ses parents ont refusé. Elle les a cependant convaincus de lui faire passer un diplôme d'art à l'université de Chung-Ang et, à la fin de ses études, elle a décidé de se rendre à New York pour étudier au Fashion Institute of Technology (1994). Elle a ensuite obtenu une maîtrise en photographie à l'université de New York et a travaillé comme assistante sur les productions de David LaChapelle.
Une artiste conceptuelle
Lee a toujours été intéressée par le travail sur l'identité. En tant qu'artiste, le plus important pour elle est de créer un concept solide.
“Le processus de création n'est pas aussi important que la conceptualisation. Je pense que l'important est de discuter de l'histoire au sein de l'art".
C'est ainsi que Lee a commencé ses recherches sur les groupes sociaux et les sous-cultures. Elle a soigneusement étudié les codes vestimentaires, les manières, l'accent et tous les éléments qui, selon elle, créent une identité. La jeune Coréenne était prête à transformer complètement son apparence physique, sa garde-robe, son maquillage et même à suivre un régime pour s'assimiler à différents groupes sociaux et ethniques dans la ville multiculturelle de New York et à documenter l'événement sur le plan photographique. Le moment venu, elle a procédé à la caractérisation et à l'insertion dans le groupe choisi. Une fois acceptée dans le groupe, Nikki demandait à quelqu'un de la photographier à l'aide d'un simple appareil photo numérique : il pouvait s'agir d'un compagnon ou d'un membre du groupe. Le résultat est un instantané qui semble simple et sans prétention : une "photo souvenir" classique.
Dans son travail, Lee matérialise son idée de "concept" dans le choix des matériaux avec lesquels elle travaille. L'artiste utilise toujours un simple appareil photo pour ses instantanés : "Les gens pensent qu'un gros appareil et beaucoup de matériel d'éclairage créent de l'art et je veux briser cette règle. Si vous avez un bon concept, ça peut être de l'art". Bien qu'elle soit titulaire d'une maîtrise en photographie, Mme Lee se considère comme une artiste aux multiples ressources, suffisamment pour ne pas utiliser d'appareil photo reflex ni posséder son propre appareil. "Je ne veux pas porter de choses encombrantes avec moi. L'appareil photo instantané est ce que je transporte. Vous n'avez pas à vous soucier d'autre chose. Les gens dans la rue ne vont pas vous attendre si vous portez un énorme appareil photo : cela leur ferait peur. Avec un appareil photo instantané, ils se sentent à l'aise."
Mais il y a aussi un thème supplémentaire à l'appareil photo instantané apparemment inoffensif qui a également à voir avec son idée de faire passer le concept avant la qualité des images et c'est que Lee manipule et joue avec la nostalgie générée par les photos instantanées, ainsi qu'avec notre curiosité voyeuriste pour entrer dans la vie réelle d'une personne, pour connaître son intimité à travers des photos qui sont liées à la mémoire, à l'histoire familiale, aux gens ordinaires. À l'heure de Photoshop, la tactique pour créer l'illusion d'un enregistrement inaltéré consiste à utiliser une esthétique domestique, avec flash et même date inclus dans la photographie, une pratique courante chez les amateurs. "Les images de Lee nous encouragent à remettre en question l'intégrité des instantanés, de la culture et de la communauté, tout en nous permettant d'apprécier les multiples visages de l'identité et de la mémoire construites."
Le résultat est une image faussement simple qui est facilement adoptée par le public, mais où il y a beaucoup plus que ce que l'on croit : "Bien qu'à première vue elles semblent "naturelles", ces photographies s'inscrivent finalement comme des constructions complexes, voire déroutantes." L'auteur accepte : "J'aime les projets qui comportent de nombreuses couches ; superficiellement, ils peuvent sembler très simples, mais en creusant davantage, on découvre de nombreuses histoires avec des couches sous-jacentes."
Nikki S. Lee a créé tellement d'images qu'elle a fini par étoffer son œuvre Projets, son premier grand ensemble d'œuvres. De 1997 à 2001, l'artiste a créé un mélange d'art factuel et de photographie où l'un et l'autre sont transfusés.
L'identité en tant que construction sociale
Lee part d'une prémisse importante : elle est elle-même une immigrée arrivant dans un endroit étrange et dans une société qui ne semble jamais ralentir. Le travail de cette photographe nous offre, dans sa polysémie, des lectures qui englobent non seulement le thème de l'identité, et la question de savoir si le groupe se forge une personnalité, mais aussi le transit des cultures. Pour Nikki S. Lee, la vie elle-même est une performance sans fin dans laquelle le simple fait de changer de vêtements chaque jour est déjà une altération de l'identité, une autre manifestation de soi.
D'autre part, bien que l'œuvre parte du principe de la similitude sociale, de la coïncidence, le travail de Lee suggère également un inventaire complexe de stéréotypes et de "préjugés contemporains". D'une certaine manière, dans chacune des images de Lee immergée dans chaque groupe, elle nous immerge nous aussi, en tant que spectateurs, dans de nouveaux mondes, des univers qui révèlent la complexité de la construction de l'identité.
L'œuvre de Nikki S. Lee soulève de nombreuses questions possibles : dans ses photographies, l'auteur cherche-t-elle sa propre identité à travers les autres ? Peut-on dire que son œuvre est l'enregistrement d'une société ? L'auteur fait-elle une lecture superficielle des groupes qu'elle photographie ?
L'auteur nous donne quelques indices de son point de vue : "Les projets portaient-ils davantage sur moi que sur les autres personnes ? Ils sont à propos de moi. La question porte sur moi, mais se montrer avec d'autres personnes dans le projet devient primordial. La question de ma propre identité m'oblige à examiner la relation entre mon moi et les autres personnes".
L'œuvre de Nikki S. Lee peut être considérée comme un enchevêtrement complexe pour le spectateur, une sorte de piège. L'auteure elle-même nous dit que "...plutôt que de penser à la profondeur comme à quelque chose qui va sous la surface, que se passerait-il si nous pensions à la profondeur comme à un "quelque chose" parallèle, s'étendant d'un côté à l'autre ? On pourrait peut-être considérer que mon travail est profond dans le sens où il aborde les relations humaines d'un point de vue plus large. J'ai commencé par une question universelle sur l'identité, mon identité. J'ai essayé de répondre à cette question en regardant les autres, les personnes qui m'entourent, même si elles ne sont pas directement liées à moi. Apprendre à savoir où je suis et qui je suis implique que je me voie à travers les yeux des autres, de ceux qui m'entourent, de la société à laquelle j'appartiens. Cela explique assez bien l'arc conceptuel de mon travail. Je pense qu'une vision large de mon travail ajoute de la profondeur à la recherche sur l'identité."
Nikki S. Lee conclut : "Ma vie et mon travail ne sont pas séparés. J'ai juste plus de rôles que d'autres personnes. Et j'ai des photos.”
Jack Solle et Carolina Luna
Fondateurs de Préludes Photo, nous sommes férus de photographie de rue, de voyage et de paysage, et transmettons notre passion pour la narration visuelle à la croisée de nombreux chemins photographiques dans les formations que nous proposons en France et à l’étranger.
